Néstor Stazzoni, ingeniero de Sonido de Illya Kuryaki and the Valderramas

By in Mezcla Profesional, Música, Sonido en Vivo

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“Mi vida en el sonido en vivo comenzó cuando terminé la secundaria. Estudié en el ISER donde me recibí de Operador de Estudio de Radio, lo que me dio una base importante sobre conocimientos de tecnología. Esto me llevó a trabajar en Hollimar (empresa argentina, histórica, de fabricación de equipos de audio de alta fidelidad) donde estuve haciendo muchos services e instalaciones.
Un día pasaron por allí Melero e Itelman quienes eran los proveedores del servicio de sonido del Teatro Gran Rex,en Buenos Aires. Les insistí que me gustaría trabajar con ellos hasta que finalmente me aceptaron. Y es allí dónde transité gran parte de mi escuela, trabajar en el teatro a diario con distintas bandas, distintos ingenieros, distintas consolas y ver la transición del mundo analógico al digital.”

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¿Cuándo fue la primera vez que operaste en vivo? ¿Con qué banda?

Bueno, haciendo memoria, la primera vez que tuve que operar en vivo fue al quinteto del trompetista Fats Fernández, una banda de jazz muy conocida. Estamos hablando de fines de los ‘80s, principios de los ‘90s. En esa época trabajé mucho con el rubro del jazz y el tango. Más adelante, también en el teatro Gran Rex, operé monitores a Steve Vai. En esa época conocí a muchos artistas; hice temporada con Alejandro Lerner y Mercedes Sosa. Posteriormente comencé a trabajar en los espectáculos de la productora de Cris Morena; “Floricienta”, “Rebelde Way”, con quienes recorrimos medio planeta. Eran shows musicales muy divertidos. Después conocí a Ricardo Montaner. Empecé a girar con él mezclando monitores por toda Latinoamérica.

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¿Cúal es la diferencia entre realizar la mezcla de monitores para el artista o mezclar el sonido de sala para la gente?

En el caso de Montaner, hacer monitores es un trabajo bastante delicado. Utiliza muchas mezclas de monitores y es muy… ¿cómo decirlo?, muy fino el trabajo, dado que para mezclar “in ears”, dos decibeles hacen mucha diferencia; al margen de todo lo complejo que es el set de inalámbricos.
Después de Montaner empecé a trabajar con los Illya Kuryaki and the Valderramas haciendo sala; y bueno, ahí como que la cosa se vuelve más grande ya que uno trabaja para mucha más gente, me refiero a que la mezcla es para el público y no exclusivamente para el artista. Actualmente estoy girando por toda latinoamérica con el espectáculo de Disney “Soy Luna”

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Con los IKV participás en los ensayos y los grabás para ir aproximando la mezcla para el show en vivo?

Bueno, con los IKV haciendo sala, uno se compromete y participa en los ensayos. Los ensayos son como la cocina de la banda. Vas viendo qué herramientas aplicarás en vivo y es justamente aquí dónde cobran importancia las consolas VENUE. Es la primera opción que pedimos en los riders. Siempre que podemos grabamos los shows y utilizamos consolas VENUE y Pro Tools que son inseparables.

Y tambien nos valemos de la grandiosa herramienta del virtual soundcheck, la cual nos permite en los ensayos o en el estudio ir ajustando la mezcla y después en el lugar de la actuación, hacer pruebas con la banda escuchando un poco su propia perfomance inmediatamente después de la prueba de sonido. Es una herramienta increíble.

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¿Qué pasa cuando los músicos escuchan la grabación del sound check al bajar del escenario?

La reacción de los músicos cuando uno hace un virtual soundcheck es tremenda. Primero largan su instrumento y se vienen corriendo a la consola. Algunos obviamente entienden más que otros, pero algunos no creen que uno puede poner en “solo” su instrumento y estar escuchando como si estuviesen tocando, entonces de repente uno les puede mostrar la batería, el bajo, la guitarra, los teclados, todo por separado y la reacción es tremenda. Aparte, aportan a hacer más fina una mezcla, desde su oído de músico, porque ya tienen una referencia arriba en el escenario, pero del lado del público, la referencia es muy distinta.

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¿Por qué tomaste la decisión de tener tu propia consola y ponerla a disposición de la banda?

Bueno, como ingeniero de la banda encuentro en VENUE tal vez la herramienta más cómoda para hacer mi trabajo. Obviamente nos tocan festivales y a veces no hay VENUE, hay otras consolas, pero, realmente, para operar sala y con los IKV en particular, VENUE me resulta extremadamente flexible y cómoda, lo cual me motivó a adquirir una y elegí el sistema  VENUE | S3L-X, que tiene lo mismo que la VENUE grande, pero el empaque es muy chico, muy portable y prácticamente la llevamos a todos los shows con la banda. Encontramos que es una herramienta increíble tanto en su audio, en su operatividad, en el uso de plug-ins y el virtual soundcheck que con Pro Tools es facilísimo; tarda lo mismo que el tiempo que me toma contarlo. Realmente estamos muy conformes con ella.

Este tipo de tecnología en Latinoamérica ha permitido que podamos nivelarnos con lo que se maneja en Estados Unidos y Europa o ¿todavía seguimos estando a mucha distancia?

Yo creo que la diferencia no es tanto tecnológica, me parece que es más humana. Con este tipo de tecnologías hoy podemos decir que estamos muy cercanos al gran país del norte o a Europa. Tal vez las diferencias son más a nivel humano o al tipo de producciones. Acá en Latinoamérica a veces estamos jugados, muy al filo. Nos entregan el predio el mismo día del concierto y se montan tremendos shows en horas, con poca prueba de sonido. Insisto, en estas situaciones el virtual soundcheck aporta muchísimo. Tal vez en Europa o en Estados Unidos se manejen otros tiempos, pero tecnológicamente no tenemos nada que envidiar.

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¿Te sentís parte de la banda?

Sí, claro… siempre me ocupo de los riders, de los pedidos técnicos, de defender a la banda, de tener lo mejor para el show. A veces le digo al manager; “voy a insistir y me planto”, para conseguir lo mejor para el grupo. La verdad que he soñado trabajar así, a niveles grandes y de golpe verme en el Rock al Parque en dos oportunidades en Colombia, en el Vive Latino de México donde hay un nivel de producción increíble, en el Lollapalooza en Buenos Aires… No lo puedo creer. Y como que la ficha me terminó de caer cuando con Montaner fuimos al Madison Square Garden. La verdad que recorrer ese lugar tan místico, con sus pasillos, con fotos de tantos artistas que han tocado allí… Son experiencias tremendas. De todas maneras, un lugar muy grande para cien mil personas o un bar de 200 sillas… ambos tienen su magia. Mientras uno ama lo que hace y le gusta la banda con la que trabaja, todo vale, todo tiene su fuerza.

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¿Musicalmente, cuál es el estilo con el que más afinás? Qué es lo que más te influencia para trabajar con algún artista?

Mi gusto musical es muy variado. Arranqué haciendo tango y clásico, que al día de hoy me siguen gustando. Es más, añoro trabajar con orquestas de tango y con orquestas clásicas. Y hablando del rock…me crié con el rock sinfónico que es como mi estandarte. Trabajo por ejemplo con una banda de covers de Pink Floyd que suena increíble.
A veces pasa que en primera instancia una banda no te agrada cuando escuchás su disco y después terminás involucrándote cuando te das cuenta que las canciones en vivo son más agradables que las versiones del disco, ¿no?

Rock al parque, Bogotá, Colombia

¿Cómo fue la transición del mundo analógico de usar una MIDAS al universo digital, en particular a la VENUE?

La transición del mundo analógico al digital en consolas de sonido la viví en el Teatro Gran Rex. Teníamos una MIDAS Heritage, excelente consola, con muchos racks de outboards. En 2007 vino al Rex a tocar Coldplay y trajeron una Venue, que recién salía al mercado. Nos sorprendió !… Entonces se decidió cambiar y se instaló una Venue D-Show en el FOH y ahí bueno… la primer ventaja que encontramos fue el espacio, el tamaño, la conectividad. Todos los plug-ins, los efectos conectados. La otra gran ventaja es el almacenamiento de escenas, que con la anlógica no existía. Si repetíamos un show a los 15 días, con la analógica había que hacer todo desde cero. Hoy almacenamos en un pendrive infinidad de shows y podemos repetir un show de hace 15 días, un mes, un año, no importa. Si el formato de la banda es el mismo, con el mismo setup, si funcionó, no tenemos que arrancar desde cero.



¿Bueno, ahora sí, compartinos una fotografía de cómo armás tu mezcla con los Illya Kuryaki… Qué tipo de plug-ins utilizás?

Estamos usando un mínimo de 40 canales. Depende también de la formación. A veces hay sección de brasses, a veces no. Lo mismo con los coros. Digamos que necesitamos entre 40 y 52 canales. Con esta superficie, la S3, a pesar de ver sólo 16 faders podemos manejar hasta 64 canales, así que estamos sobrados. Utilizamos varios plug-ins; compresores, ecualizadores, delays, reverbs. Inclusive muchas veces administramos el sistema de sonido desde la consola dividiendo el stack principal, los front fills, los sub woofers. Más de una vez nos tocan festivales o lugares donde no hay un administrador de equipamiento, entonces lo administramos con la misma mesa con plug-ins paramétricos, delays y ese tipo de cosas y podemos setear incluso el equipo de sonido desde la consola.

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¿Cuántos canales de batería usás, cuántos de percusión, teclados, guitarras. Y para Dante y Emma ?

Con los IKV usamos entre batería y percusión 22 canales. La batería de Pablito González consta de 3 tones, aéreos, dos tambores y bombo. Para el bombo utilizamos dos micrófonos. Para la percusión del maestro Carlitos Salas que usa congas, bongoes y mesa de accesorios jugamos con muchos aereos en stereo. Con Carlitos hemos trabajado también con Montaner. El juega mucho con accesorios y es fundamental el panorama estéreo. Tenemos tambien línea de bajo, los equipos de guitarra de Matías Rada, los amplis de Emma y Dante. Y las voces. En el caso de las voces utilizamos para Emma y Dante, aparte del compresor on-board por canal que trae la S3L, el plug-ing “Smack”. O sea, aplicamos doble compresión que da muy buenos resultados. Hay canciones que son más gritadas, otras que son más tranquilas. Utilizamos también plug-ins de reverbs para todo lo que es percusión y batería, otra reverb para voces y un delay estéreo cortito para las baladas o temas más lentos.

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Insisto… Por qué elegiste la S3L?

¡El tamaño! Lo que más me impresionó fue el tamaño. Nunca te conté como me decidí, el momento exacto. Me da hasta vergüenza…



Dale, contanos…

Vine una vez a las oficinas SVC a una charla de Rocoto, gran amigo, sobre la Venue S3L. En ese momento me llamó la atención todo lo que hacía la mesa y el tamaño, -me resultó como muy familiar -. Pero un día viajando en colectivo me entró un email de AVID y ví la foto de la consola. Me la quedé mirando y así fue como me decidí. Cuando la ví en el celular tan pequeña me pregunté; ¿una consola tan chica hace todo eso? Tengo que ir por una. Y fue que me vine a SVC y encargué la mía con 4 stages racks para tener 64 preamps en el escenario..



¿Qué fue lo que más te llamó la atención? ¿La portabilidad?

Sí, la portabilidad. Y seguir estando sobre el software de VENUE, la interfaz de usuario, si bien viene el software es más nuevo que las tradicionales, es el mismo. Los que venimos de VENUE pasamos por acá y no nos damos cuenta, de hecho tiene más opciones que las VENUE tradicionales. Una de las características que más me impresiona de la S3L es la posibilidad del “I/O sharing” y “Gain Tracking”. Para el espectáculo de Disney “Soy Luna” estamos usando dos consolas S3L-X, una para sala y otra para monitores, pero que comparten los mismos Stage Racks (64 canales). No hace falta que cada consola tenga su propio stage. Es decir, el operador de monitores maneja su flujo de audio, yo manejo mis canales de audio, pero compartimos los mismos stage racks a través de conectividad Ethernet AVB y nadie se da cuenta, ni nosotros.. Ja ja.. El secreto es la compensación de ganancia automática por canal que es perfecta.

La verdad es que me siento muy cómodo con este sistema.

¿Te imaginaste que la tecnología iba a tener este cambio tan radical desde la primera consola que operaste a la que hoy tenés en tu poder?

Sí. Me he imaginado cambios así y me los sigo imaginando. De hecho hoy estamos trasladando 64 canales por un cable de red finito como este.
Creo que el paso que sigue es que esto sea inalámbrico, sin latencias, sin problemas, sin interrupciones. Sí, en eso creo, siempre vamos a ir para adelante.

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Músico (primer guitarrista de Miguel Mateos / Zas, entre otros), Productor Artístico. Director de Digital Audio Group / SVC, Master Distributor de Avid en Argentina.