Pedro Aznar, multi instrumentista, autor y compositor

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Entrevista exclusiva a Pedro Aznar, multi instrumentista, autor y compositor, miembro fundador de la mítica banda argentina “Serú Girán”, integrante del “Pat Metheny Group” con quien grabó en 4 discos (“First Circle”, “The Falcon and the Snowman”, “Letter from Home” y “The Road to You”) y desde hace más de 20 años viene desarrollando su proyecto solista.

 

Ricardo Pegnotti: Danos una breve reseña de tu carrera musical.

 

Pedro Aznar: “Empecé a tocar profesionalmente a los 14 años en el grupo Madre Atómica, fundado por Mono Fontana y Lito Epumer. Toqué con el trío Alas a los 17, en una experiencia pionera en la fusión de rock con folklore y tango, y a los 18 formé Serú Girán, con Charly García, David Lebon y Oscar Moro. En 1983 me incorporé al Pat Metheny Group como vocalista y multi-instrumentista, y desde 1993 dirijo mi propio grupo.”

 

Cuáles son tus influencias musicales? Qué escuchás actualmente? Pasás temporadas sin oír música para no intoxicarte?

 

“Mis influencias musicales son muy variadas, incluyen rock, jazz, música de raíz latinoamericana y folklore argentino, tango y música clásica. Últimamente escucho servicios de streaming, lo que ofrece una variedad de música incomparable. No soy de escuchar música constantemente, aprecio el silencio y lo necesito, especialmente cuando estoy entre giras.”

Proyectos actuales. Info de tu banda…. último trabajo discográfico. Hay próximo disco cercano? Estás tocando en vivo?.

 

“Estoy haciendo la gira “Resonancia”, que celebra 35 años de carrera solista. Tocamos música de cada uno de mis 18 discos, y canciones nuevas compuestas especialmente para este proyecto. Ya tocamos en Buenos Aires, La Plata, Rosario, Mar del Plata, Córdoba, Santiago de Chile y Valparaíso, y en 2018 seguimos presentando este repertorio por muchas ciudades más de Argentina y Latinoamérica. Esta celebración comprende la publicación de una caja de colección que incluye los 18 álbumes (muchos de ellos remasterizados y con todo el arte restaurado a partir de los originales), un EP con cuatro canciones nuevas y un libro de 96 páginas con fotos inéditas, reflexiones personales y todos los discos comentados en detalle desde lo técnico, lo artístico y lo personal, todo ello escrito en primera persona. También lanzamos una antología titulada “Esenciales”, que recoge 2 canciones de cada uno de esos discos.”

 

Qué opinás de la industria musical actual? Cuál creés que será el modelo de negocio en un futuro próximo para que un músico y/o banda puedan subsistir de su oficio?

 

“El disco va a desaparecer en poco tiempo más; la descarga de música por internet o alguna otra forma de acceso digital lo van a reemplazar por completo. Los conciertos vienen siendo la principal fuente de ingreso para los músicos desde hace algunos años, ante la merma en la venta de discos (en buena parte, causada por la piratería). Creo que va a haber una profundización de ese modelo, con la música grabada pasando a ser, predominantemente, una forma de promoción con muy poco o ningún margen de ganancia. Es por eso que las compañías discográficas han formado departamentos de manejo de artistas y venta de shows. El negocio ahora pasa casi exclusivamente por ahí.”

En tu caso, sos independiente o tenés contrato con alguna discográfica y distribuidora? Cómo llega tu trabajo editado (CD/DVD) al público?

 

“Tengo hace 20 años mi propio sello, Tabriz Music, distribuído en Argentina y exportado a otros países por DBN (Distribuidora Belgrano Norte). Mis discos también están disponibles para compra física o digital en Amazon y en iTunes, y en plataformas de streaming como Spotify.”

 

Además de tu perfil artístico, sos una persona que siente pasión por el mundo de la tecnología aplicada al arte. Contanos cómo fueron tus primeras grabaciones. Qué herramientas utilizabas?

 

“Tengo estudio en mi casa desde que empecé experimentando con tocar todos los instrumentos a través de regrabaciones entre dos grabadores a cassette a los 15 años. Mi primer grabador semi-profesional fue un Tascam de 4 canales. De ahí pasé a uno de 8 (con el que grabé mi primer disco solista, Pedro Aznar, en 1982), y más tarde a uno de 24 (con el que grabamos Tango 4, a dúo con Charly García, en 1991). El próximo paso fue con 32 canales digitales en formato ADAT, con los que hice varios proyectos, como mis discos David y Goliath (1995), Cuerpo y Alma (1998) y Caja de Música (1999, canciones sobre poemas de Jorge Luis Borges, grabado en vivo en el Teatro Colón).”

¿Qué herramientas usas actualmente? ¿Grabas tus discos íntegramente en tu estudio personal? O parte del proceso, ¿lo tercerizas?

 

“Desde 1999  tengo un sistema Pro Tools, que hoy está configurado como HDX, con 24 entradas x 24 salidas. La modalidad que vengo usando en los últimos años es la de grabar en una sala grande, para luego hacer los últimos toques de grabación y la totalidad de la mezcla en mi estudio. Desde “Aznar canta Brasil” (2005, en vivo), venimos trabajando en grabación y mezcla con Ariel Lavigna, y la masterización la hace Andrés Mayo, salvo el disco “Ahora”, de 2012, que fue masterizado por Tony Cousins en Metropolis, Londres. Ganamos 4 Premios Gardel en Ingeniería de Grabación por esos discos.”

 

Incorporaste una consola Venue para tus presentaciones en vivo. ¿Cómo tomaste la decisión de tener tu propia consola de sonido para el PA?

 

PA: “Decidí adquirir una consola Venue por varias razones. La principal es la calidad de sonido, comparable o superior a las mejores mesas analógicas. Otra, la confiabilidad y repetibilidad de los shows, ya que se puede memorizar todo lo que uno necesite (niveles, efectos, envíos, etc). También la posibilidad de grabar multipista en vivo a través de una simplísima conexión a Pro Tools, sin ninguna degradación (ya que el audio se transmite digitalmente) ni el engorroso uso de splitters. La prueba de sonido virtual que puede realizar el ingeniero sin la presencia de los músicos, recurriendo a la grabación de un show anterior, es una prestación invalorable.”

 

Qué herramientas forman parte del set para vivo?. Para tu monitoreo en el escenario usás “in ears” o monitores de piso? Por qué?

 

“Ruteo mis instrumentos (guitarras acústicas y eléctricas y bajos) a través de una caja multi-selectora Whirlwind, y todos ellos son procesados por una pedalera Line 6 Helix, donde uso modelación de preamplificadores, amplificadores y gabinetes acústicos, procesadores y efectos, y entrego una salida XLR balanceada estéreo a la consola de sala.

Mi monitoreo personal es (desde hace 20 años) a través de un sistema Shure inalámbrico y audífonos Ultimate Ears 18+ Pro de 6 drivers y 4 vías. Todos en mi grupo usamos audífonos, ya que eso limpia casi por completo lo que llega al PA a través de los micrófonos, y de esta manera el escenario no genera ningún sonido que se vierta hacia la sala (salvo los de la batería y percusión), lo que le da al ingeniero mucho mayor control y claridad.

Cuando grabamos “Quebrado Vivo” usamos la pedalera del guitarrista (por aquel entonces, Federico Dannemann) alimentada a un amplificador Bogner Shiva que estaba ubicado atrás del escenario, pero después de transportar el ampli a gran cantidad de shows, decidimos que la ínfima (yo diría prácticamente imperceptible, para un show en vivo) diferencia entre las emulaciones de la pedalera Line 6 y el sonido del amplificador, no justificaba el peso de transportarlo (además de las diferencias de sonido que causaba la ubicación del micrófono ante el gabinete, noche a noche, lo que no ocurre con la emulación digital, que es exactamente igual en cada show).”

 

Has grabado conciertos en vivo que realmente suenan increíble. Algunos de ellos han terminado en DVD. Contanos cómo es el flujo de trabajo de tus grabaciones. En qué resolución ingestas el audio y qué herramientas utilizas para el registro de los shows?

 

“Hasta ahora hemos venido usando la manera tradicional, con splitters de señal: todo llega por triplicado al PA, a monitores, y al sistema de grabación, que, desde 1999, es Pro Tools. Grabamos siempre a 96KHz de resolución o superior. Siempre es conveniente grabar a la más alta resolución posible, aunque después se deba reducir para el producto final.”

Para cerrar…. creés que es beneficioso que los músicos tengan conocimientos de tecnología? Esto podría desviar la atención de la parte creativa? O se complementan y potencian?

 

“Como decía mi abuela: el saber no ocupa lugar! Saber cómo se logra un sonido que está en tu cabeza te va a ayudar a encontrarlo, o, en todo caso, a explicarle mejor al ingeniero lo que estás buscando. Lo creativo no se logra solamente con intuición, sino también con conocimiento y oficio.”

 

En tu caso, ¿cómo logras que convivan ambas disciplinas, la del investigador en materia de tecnología aplicada a la música y me animo a decir…. Ingeniero de Sonido, y la del intérprete, autor y compositor?

 

“Para mí son parte de una misma cosa. La música me apasionó desde chico en todos sus aspectos, desde sacar de oído una canción que me gustaba en la guitarra hasta probar qué pasaba si grababa algo en mi grabador de cinta y lo reproducía invirtiendo los carretes (lo que, a su vez, implicaba el desafío musical de pensar las melodías y palabras al revés!). Yo soñaba (literalmente) con tocar en un escenario, con hacer discos y con máquinas de grabación. Todo eso formó parte de mi camino y estoy feliz de que lo siga siendo.”

Músico (primer guitarrista de Miguel Mateos / Zas, entre otros), Productor Artístico. Director de Digital Audio Group / SVC, Master Distributor de Avid en Argentina.